"Indian Summer of Love" marque le retour bienvenu de The Bongolian, alias le multi-instrumentiste Nasser Bouzida. Septième album sous le nom de "The Bongolian", il fait suite à "Harlem Hipshake" (2020), aux influences soul latines, acclamé par la critique. Genre : Funk/Dance, Psychédélique. Sur "Indian Summer of Love", The Bongolian explore une nouvelle palette de sonorités et d'influences pour une nouvelle Belle Époque. Un paysage musical façonné par le psychédélisme indien des années 60 et un événement de Haight Ashbury. C'est une vision kaléidoscopique qui nous transporte de la fin du XXe siècle au présent du XXIe. Cet album s'adresse aux danseurs, aux chercheurs, et est sublimé par les rythmes lourds et les breaks caractéristiques de The Bongolian. C'est une autre belle séquence de morceaux incontournables pour les dancefloors, et pour les auditeurs exigeants, la qualité est garantie. D'Est en Ouest, bienvenue à l'Indian Summer of Love. Nasser Bouzida joue de la batterie, des percussions, de la guitare et des claviers, tandis que l'album enrichit le son Bongolian avec des sitars et du bansuri, ainsi que des prestations à la flûte, à la trompette, au saxophone et au trombone de plusieurs musiciens invités internationaux.

Le légendaire chanteur et compositeur Morrissey revient avec 'Make-Up Is A Lie', son très attendu 14e album solo, le premier depuis plus de 5 ans. Cet album marque également son retour chez Sire Records, le label qui a produit les premiers albums solo de Morrissey et, bien sûr, le catalogue des Smiths. Morrissey est reconnu, à juste titre, comme l'un des plus grands paroliers de sa génération et comme une figure particulièrement influente de la musique pop depuis plus de 40 ans. Les 12 titres de 'Make-Up Is A Lie' ont été enregistrés en France, soit 11 nouvelles chansons qui deviendront sans aucun doute des classiques du catalogue de Morrissey, et une superbe reprise de « Amazona » de Roxy Music.

Ce cinquième album studio est un mélange riche et vibrant de jazz, d'afrobeat, de hip-hop et de sonorités électroniques, explorant l'espace entre l'organique et le numérique. Une musique qui vibre, qui transpire, qui respire, créée par de vraies personnes dans de vraies pièces, avec des collaborations prestigieuses réunissant des voix variées de la scène musicale locale.

Depuis le célèbre voyage des Beatles en Inde à la fin des années 1960, l’intégration d’influences sud-asiatiques est devenue une sorte de rite de passage pour les groupes de rock établis en quête d’un renouveau stylistique ou spirituel. Le plus grand défi, comme pour toute forme de musique fusion, consiste à transformer cette appréciation culturelle en une nouvelle vision créative façonnée par les artistes qui l’ont inspirée — sans tomber dans une sorte de cliché exotisant façon Eat Pray Love. Avec Across The Mountain (principalement inspiré par la musique classique hindoustanie, tout en faisant aussi des clins d’œil aux musiques de mariage moyen-orientales et au reggaeton), Damon Albarn et Jamie Hewlett réussissent cet exercice haut la main. Les morceaux sont moins portés par le « groupe » lui-même que par l’alchimie impeccable de leurs collaborateurs et les hybrides imprévisibles qui en émergent : le guitariste des Smiths Johnny Marr accompagne ainsi la maîtresse du sitar et légende de Bollywood Anoushka Shankar sur plusieurs titres, tandis que les rappeurs Black Thought et Yassin Bey collaborent respectivement avec la chanteuse indienne Asha Puthli et l’icône syrienne de la musique dance Omar Souleyman. L’étendue musicale, le rythme de l’album, la sincérité des thèmes abordés, ainsi que le soin apporté aux détails — tant musicaux que culturels — en font peut-être le meilleur album de Gorillaz depuis Plastic Beach.

Quatuor, puis trio et désormais duo, Flyte se distingue depuis ses débuts, où le groupe jouait dans les rues de Londres, par son goût pour les mélodies intemporelles, les harmonies vocales sophistiquées et des chansons où affleure l'émotion. Mais le groupe a aussi su évoluer, en délaissant la pop ensoleillée de ses débuts pour une folk intimiste et inventive. L'album alterne entre chansons folk sobres et épurées, comme les absolument sublimes "Perfect Dark", "Speech Bubble" ou encore "Chelsea Smile", qui ne dépareillerait pas aux côtés des meilleures chansons acoustiques de Simon & Garfunkel, et morceaux plus enlevés et produits, comme "Press Play", "Even On Bad Days" ou "Better Than Blue", dont le groove jazzy rappelant les tribulations de Joni Mitchell. Chaque titre est parfaitement abouti et mérite l'attention tant il regorge d'idées et de détails subtils qui font toute la saveur des grands disques

La superstar mondiale Raye, quatre fois nominée aux Grammy Awards, sort son deuxième album très attendu, This Music May Contain Hope. L'album, divisé en quatre "saisons", chaque face du vinyle correspondant à une saison différente, emmène les auditeurs dans un voyage sonore qui commence dans l'obscurité et se termine dans la lumière.

Le nouvel album de OBONGJAYAR est une véritable petite pépite, oeuvrant dans la même veine que le précédent tout en allant plus loin dans le mélange habile des genres, de la pop au punk, de la dance à l''Afrobeat, de la funk à la folk. Produit par Kwes Darko ( Pa Salieu, John Glacier) et le trio de producteurs Beach Noise (Kendrick Lamar, Baby Keem, Bakar), "Paradise Now" offre un nouveau tremplin à cet artiste multi-facettes et talentueux. Pour fans de LITTLE SIMZ, WIZKID, ASA, SHOW DEM CAMP.

À 25 ans, après une ascension fulgurante qui l'a menée des rues de Brighton aux plus grands stades du monde, l'artiste britannique revient avec "Florescence", son projet le plus intime à ce jour. Ce troisième album est né d'un silence nécessaire : celui qu'elle a dû s'imposer pour soigner sa voix et son esprit après une année 2024 aussi triomphale qu'épuisante. C'est dans la simplicité d'une vie ordinaire entre Londres et le Sussex que Maisie a retrouvé son essence. Florescence raconte ce retour aux racines, là où la pop de stade laisse place à une folk-country organique, rappelant la pureté de ses premières compositions à l'âge de 12 ans. À travers des titres comme "You You You" ou le délicat "Audrey Hepburn", elle explore l'acceptation de soi, la guérison et cette "paix radicale" trouvée loin du tumulte des réseaux sociaux.

"Dog eared" est un disque chaleureux, riche et texturé, qui déborde de confiance et d'assurance, avec Billie déjà proche de la prolificité d'une artiste de toute une vie, alors qu'elle a encore tant à vivre. C'est un tournant par rapport à ses enregistrements précédents, bien que subtil, réalisé avec une grande finesse. Une musicienne qui embrasse le changement tout en restant fidèle à son essence. Il y a ici une certaine force de conviction qui s'exprime plus nettement dans le vaste paysage de ses acclamés contemporains américains, parmi lesquels elle se hisse désormais sans conteste à leur niveau. Avec "Dog eared" Billie s'impose calmement au sommet, non seulement des artistes folk contemporains britanniques, mais aussi des auteurs-compositeurs britanniques dans leur ensemble.

« The Boys of Dungeon Lane » est un recueil d'anecdotes inédites et de chansons d'amour écrites par Paul McCartney. Il y raconte avec franchise son enfance dans le Liverpool d'après-guerre et ses débuts avec George Harrison et John Lennon, bien avant la Beatlemania.

Le producteur, auteur-compositeur et musicien anglais James Blake revient avec Trying Times, son septième album studio et son premier disque entièrement indépendant. Écrit entre Londres et Los Angeles, l'album aborde les turbulences des dernières années - agitation mondiale, discours fracturés et remises en question personnelles - tout en cherchant de l'empathie, de la connexion et de l'amour au milieu du chaos. L'album comprend des collaborations avec le rappeur britannique Dave et la chanteuse-­autrice-compositrice Monica Martin.

Avec Your God Fearing Days Are About To Begin, Kitty A. Austen transforme le deuil intime exploré sur Bloodsuckers (2023) en une œuvre plus ouverte et combative. Produit en partie avec Jim Lowe, l’album mêle rock industriel, électro sombre et énergie punk, dans la lignée de Nine Inch Nails, Poppy et Lorde. Des titres comme "Good Boy", "The Beast" ou "The Father, The Son and The Holy Beast" illustrent cette fusion entre noirceur, intensité émotionnelle et puissance dansante. Cohérent et radical, l’album marque une nouvelle étape artistique où la douleur se transforme en force créatrice.