Chants judéo-espagnols et grecs de la mer Égée. Née en 1992 à Paris d'un père grec et d'une mère française, Dafné Kritharas puise son inspiration au carrefour de l'Orient et de l'Occident. Elle fut bercée dès l'enfance par les chants judéo-espagnols qu'interprétait sa cousine, la violoncelliste Bahia El Bacha. Le chant comme mode d'expression de l'intime s'est très tôt imposé à elle comme une évidence. Elle chante en grec et judéo-espagnol, mais aussi en français, serbo-croate, espagnol ou turc, au fil de ses découvertes et de ses voyages avec le guitariste et auteur-compositeur Paul Barreyre. Cet album comprend douze titres dont cinq en judéo-espagnol et sept en grec. Très métissés, ces chants sont liés à l'exil et au déracinement.

Chanteur emblématique de la protest song à la Joan Baez ou Bob Dylan, Victor Jara fasaiit de la chanson un engagement politique profond et marquera la société chilienne comme l’ensemble de l’Amérique latine. Figure symbolique de la musique populaire, très critique à l'égard de la bourgeoisie et fervent défenseur de la classe ouvrière, il paiera de sa vie le coup d’État de Pinochet. Voici une compilation qui rassemble quelques unes de ses chansons, de sourire en sourire, de lutte en lutte.

2e album de la sensation folk Haley Heynderickx "What of Our Nature". De la Folk intelligente et engagée qui depuis quelques années récolte tous les suffrages outre-Atlantique. What of Our Nature est une sublime introspection qui se clôture avec un « Red River Dry » des plus élégants prouvant que Haley Heynderickx et Max García Conover possèdent une incroyable alchimie qui va au-delà de la musique. Mieux encore, cette alchimie dépassera les frontières.

Le très attendu premier album du collectif psych-folk indonésien basé à Amsterdam, Nusantara Beat, est enfin arrivé. Après avoir bâti une réputation grâce à des performances live captivantes et une série de singles acclamés (Bongo Joe Records), ce disque éponyme étend une vision musicale déjà puissante. Onze titres originaux plongent dans les racines indonésiennes du groupe, mêlant mélodies folk hypnotiques, Indo-pop vintage, grooves psychédéliques et textures contemporaines. Le nom du groupe n'est pas anodin : « Nusantara » désigne l'archipel indonésien et symbolise l'unité des cultures, résumant parfaitement la démarche musicale du collectif. Nusantara Beat, né de la scène musicale d'Amsterdam, réunit des musiciens d'héritage indonésien, dont le bassiste Michael Joshua originaire de Java occidental. La rencontre avec la chanteuse Megan, persuadée de chanter pour la première fois en indonésien, a scellé la formation du groupe. Leur premier live en 2022 et trois singles acclamés ont réinterprété des classiques de la pop sundanaise des années 1970, qui mêlaient déjà musiques traditionnelles et influences psychédéliques ou funk occidentales. Leur album éponyme propose onze compositions originales, ancrées dans la tradition mais explorant de nouveaux territoires. Les percussions du gamelan javanais et balinais, le kecapi ou les gongs enrichissent un univers musical à la fois éthéré et moderne, tandis que certaines pistes comme « Bakar » ou « Di Pantai » brillent d'une énergie contemporaine. Les textes abordent les complexités de l'amour moderne avec une sensibilité pop douce-amère. Nusantara Beat signe un collectif unique, où audace et respect de l'histoire folk indonésienne se mêlent avec élégance et fraîcheur

Tinariwen évolue une fois de plus sur son tout nouvel album, en s'associant à une jeune génération de musiciens touaregs pour produire un album vibrant aux rythmes ondulants, ancré dans leur communauté nomade. Avec la participation exceptionnelle de José Gonzalez et Sulafa Elyas. Fervents défenseurs de la culture nomade de leur peuple, qui vit dans les zones frontalières désertiques entre le Mali et l'Algérie, Tinariwen s'est fait connaître dans le monde entier au cours des deux dernières décennies grâce à sa musique bluesy, dominée par la guitare, qui mêle avec brio politique en langue tamasheq, rythmes syncopés et mélodies envoûtantes. Alors que les précédents albums, comme Amatssou sorti en 2023, voyaient le groupe collaborer avec Daniel Lanois, producteur de Bob Dylan et Willie Nelson, Hoggar marque un retour aux sources et affirme la place du groupe en tant que figure de proue de la tradition musicale touareg. Il revient à ses débuts, lorsqu'il composait avec des guitares acoustiques et chantait en commun autour d'un feu de camp dans le désert, tout en passant le flambeau à une jeune génération de musiciens qui peuvent continuer à entretenir la flamme de la rébellion et de la défiance.

Avec Ritual Riots, Stéphane Hoareau signe un album profondément ancré dans la créolité, pensée comme une force d'unité, de résistance et de transmission. Guitariste réunionnais reconnu pour son rôle dans l'émergence des nouvelles musiques du monde, il poursuit ici son engagement pour la revivification du maloya réunionnais, qu'il transforme avec audace et créativité afin d'en faire un héritage vivant, ouvert et contemporain. Avec ses projets collectifs et son approche radicale du rituel musical, il développe une esthétique où la transe devient langage universel. Dans son parcours, il a exploré des territoires multiples, de sa réinterprétation électrique du maloya avec Trans Kabar à ses projets de jazz et d'improvisation collective, toujours avec un même souci : transmettre et réinventer un héritage vivant. À la guitare, aux choeurs et à la direction, il s'entoure d'un ensemble dont la force repose sur l'écoute, la transe et l'énergie partagée. Les percussions et les voix de David Doris et Claude Saturne, tous deux profondément ancrés dans les traditions créoles, organique et rituelle. La contrebasse de Théo Girard, musicien majeur de la scène jazz et improvisée et la batterie de David Aknin, à la fois précise et incantatoire, insuffle un mouvement constant entre pulsation, groove et liberté. Fusionnant maloya, vaudou haïtien, rock et jazz, Ritual Riots s'impose comme une célébration du vivre-ensemble et un manifeste musical où chaque note agit comme une invocation.

Depuis vingt ans, la musique de Tamikrest illumine les sonorités, la culture et la conscience du peuple Kel Tamasheq (Touareg) du Sahara. Tamikrest signifie « lien » ou « union » en tamasheq, et le groupe est devenu l'une des voix les plus importantes des Kel Tamasheq, canalisant leurs expériences d'exil, de perte et de résistance. Leur sixième album studio, Assikel, qui signifie « voyage » ou « parcours », témoigne du chemin parcouru par le groupe. Assikel marque un tournant sonore assumé, et poursuit l'exploration de l'exil, du déracinement et de l'assouf, ce mot tamasheq intraduisible qui englobe la nostalgie, le désir et le mal du pays. La musique fait écho à la situation actuelle au Mali, où une junte est au pouvoir depuis 2021, l'opposition politique est interdite et les médias sont muselés, la mission de maintien de la paix de l'ONU s'est retirée en 2023, l'Afrique du Sud est sous contrôle russe et la population, épuisée, subit quotidiennement des violences perpétrées par des djihadistes, les forces maliennes et les paramilitaires russes. Il n'est donc pas surprenant que les huit titres d'Assikel soient empreints d'urgence et de défi, même si l'on retrouve aussi de nombreux moments plus calmes et introspectifs, caractéristiques du groupe. L'instrumentation mêle guitares électriques et acoustiques, lap steel planante, basse dub profonde, percussions à main, calebasse et batterie complète. Les morceaux, quant à eux, oscillent entre rock and roll ishumar et méditations folk hypnotiques, la voix et le talent de conteur d'Ousmane restant toujours au premier plan. En bref, une musique que seul Tamikrest peut créer.

Le premier album de Gildaa, révélation scène et performeuse inclassable déjà saluée par le public. Poétesse satirique, Gildaa habite dans l'oeil de celui qui la regarde, quelque part entre la France et le Brésil. Elle chante bilingue, pense à l'envers et trimbale les mots entre absurde et mystique. À la croisée de la chanson, du latin jazz et du RnB, Gildaa façonne un univers totalement libre et singulier, qui ne ressemble qu'à elle seule. Le 6 mars 2026, la chanteuse franco-brésilienne, déjà saluée par Télérama et Libération, dévoile son premier album éponyme "Gildaa". Véritable phénomène scénique elle n'est vraiment chez elle que sur scène.

Tirakat réunit Ali, le trio basé à Jakarta, et le compositeur libanais et multi-instrumentiste Charif Megarbane dans une collaboration de longue date façonnée par les échanges musicaux entre l'Indonésie et le monde arabe. Plutôt que de présenter ces liens comme une fusion, l'album reflète un langage musical commun, né de la circulation, de l'adaptation et de la continuité. Tout au long du disque, le funk psychédélique indonésien, les rythmes d'Orkes Melayu, les mélodies arabes et les grooves disco coexistent naturellement, ancrés dans une approche contemporaine et axés sur la performance.