Le projet Plugged in ('branché') est à l'initiative de Jérôme Sabbagh qui à l'écoute du son unique du clavier de Jozef Dumoulin su qu'ils devaient travailler ensemble. Ils ont composé chacun de leur côté la moitié du répertoire de l'album sans avoir la moindre idée du travail de l'autre. L'intérêt de cette méthode est la confrontation des compositions des deux artistes. Le résultat en est un amalgame de connections électrisantes entre le saxophone de Sabbagh et les claviers de Dumoulin, avec la basse de Patrice Blanchard et la batterie de Rudy Royston. Les oeuvres choisies par le groupe réconcilient le style très pop de Sabbagh et le style schizophrénique de Dumoulin à merveille. Ce 'branchement' entre les deux artistes nous offre un album fort et puissant, une rencontre entre deux esprits. On peut différencier à l'oreille leurs deux univers mais ils se mêlent parfaitement pour nous donner un album unique.

Les quatre musiciens de Flash Pig ont choisi, comme fil conducteur de leur nouveau disque, une histoire d'amour et d'imagination : "The mood for love", chef d'oeuvre du réalisateur ong Kar Wai. Flash pig trouve un véhicule parfait dans la bande originale du film, qui en plus du thème des amants et de ses déclinaisons compte plusieurs boléros de Nat King Cole et des chansons traditionnelles chinoises. Comme chez Wong Kar Wai, la contrainte formelle permet au groupe une expression pudique et distanciée de l'émotion. Les non-dits, les effleurements, la nostalgie de cette histoire sans lendemain irriguent le disque. Cependant, là où Wong Kar Wai n'abandonne jamais son strict contrôle esthétique, Flash Pig poursuit le travail initié sur ses derniers albums où le lâcher prise, l'écoute et la prise de risque sont fondamentaux. Il s'immisce dans le traitement de cette bande originale - qui peut flirter avec le kitsch - une sauvagerie, un humour, une incarnation que le film ne laisse pas paraître. Cet album brûlant et maîtrisé, le cinquième en quinze ans d'existence du quartet, nous permet d'apprécier des musiciens arrivés ensemble à maturité, capables comme peu d'autres d'exprimer des émotions complexes et nuancées avec un idiome jazz. Le dialogue avec le cinéma ouvre pour notre imaginaire des possibilités réjouissantes, qui font avancer encore plus loin ce groupe précieux pour le jazz français et européen.

Phosphène (n.m) : sensation de voir une lumière ou des corps flottants. Le nouvel album de Fredda est donc celui des étincelles dansant la nuit sous les paupières. Nouvelle vie affective, nouveau cap artistique et l'impression de retrouver ce flot de lumières et d'émotions qui l'envahissait lors de l'enfance à Saint-Dié dans les Vosges. La tête tourne de tant de liberté mais c'est aussi ce qui fait le charme enivrant de ce disque : Fredda s'aventure un peu plus à être elle-même. Matt Low, échappé de The Delano Orchestra etcomplice de Jean Louis Murat, vient épauler cette mue avec des musiciens maîtrisant à merveille le chemin noueux entre l'influence folk et une pop lumineuse. L'arrangeur Pascal Parisot complète ce travail d'orfèvre en distillant subtilement quelques synthés analogiques, le mordant des claps, quelques cuivres et les envolées de choeurs célestes. Comme le frottement de 2 silex, l'étincelle de Phosphène > nait de ce relief : le chaud du bois des guitares et la peau des batteries caressent tandis que défile le film mouvementé d'une nouvelle vie en cours d'éclosion.

Kelka s'est fixé l'objectif de balayer les nuages du quotidien, une tâche digne du mythe de Sisyphe ! Dans ce premier album, elle déroule sa galerie de portraits tendres ou déjantés sur un melting-pot musical allant du jazz manouche aux ambiances rock, du blues au boléro en passant par une atmosphère de reggae indien. Ses chansons françaises théâtrales abordent avec espièglerie et tendresse des thèmes qui travaillent la société d'aujourd'hui : la solitude, la charge mentale, le stress de la vie active, la féminité, l'envie de donner du sens, la joie d'avoir des rêves et de les concrétiser.

Les chansons à boire, de Miossec aux Pogues, ont toujours donné vertiges, larmes et rires au rock. Dans la country, c'est au Texas, à base de moonshine, de femmes perdues et de fidèles destriers, que l'on a écrit les plus sensibles d'entre elles, sans langue-de-bois, avec gueule-de-bois. Baptiste W. Hamon, né près de Paris, a adopté à l'adolescence ces légendes d'hommes crevassés, contemplant le désert, une gnôle désastreuse dans la gourde. Lors d'un de ses rares passages en France, Townes Van Zandt trempa ses croissants dans un grand verre de Jack Daniel's. Comment, dans ce télescopage insensé de traditions françaises et américaines, ne pas voir la métaphore définitive de la musique déracinée de Baptiste W. Hamon ?

On retrouve ici le trompettiste français que l'on affectionne, soliste inspiré, flamboyant ou délicat, dans un environnement qui lui sied bien : en quartet, format dans lequel il a toute latitude d'exprimer ce qu'il sait et ce qu'il ressent.