William Orbit présente The Painter, son nouvel album depuis 8 ans. Avec des compositions caractéristiques d'Orbit, l'album incarne un son angélique, mélancolique, rêveur et porté par de délicats crochets de piano... Il y réunit sa production électro pop unique et son talent d'écriture, combinée à une pléthore de collaborations vocales (avec Katie Melua et Beth Orton notamment). Les émotions d'Orbit transparaissent également au travers des visuels de l'album qu'il a peints.

La grande prêtresse de l'avant-garde et de l'electro contemporaine est de retour sur 4AD. Après Platform (2015), Proto explore les opportunités et les limites de l'intelligence artificielle, en mettant à jour la possibilité d'un processus créatif avec cette nouvelle technologie.

Orlane, nouvelle révélation pop belge, sort Aller-Retour en collaboration avec Dani Terreur (Zélie, St Graal, Achile..) et l'artiste Alice & Moi. Acclamée par la presse cet été aux Francofolies de Spa et aux Solidarités de Namur, Orlane parcourt les sonorités mêlant la pop moderne, l'électro décomplexée et la chanson française à haute valeur ajoutée. Entre Bruxelles et Paris, entre séparation et retrouvailles, entre impatience et apprentissage du temps, Aller-Retour est un rollercoaster émotionnel porté par une énergie féminine brute et poétique.

Aujourd'hui, le musicien et producteur, pionnier des musiques électroniques; Mark Pritchard et Thom Yorke, leader de The Smile et de Radiohead, annoncent leur premier album en duo, Tall Tales. Il fait suite à la sortie le mois dernier de "Back In The Game", qui marquait la deuxième collaboration entre les deux artistes sur disque, après l'acclamé "Beautiful People", paru sur l'album solo "Under The Sun" de Mark Pritchard pour Warp Records en 2016. 'tall Tales', le premier album de Yorke sur Warp Records, est un disque multicouche, richement texturé, qui canalise à la fois de multiples récits et de multiples genres. Tout au long de ses 12 chansons éclectiques, l'album met en valeur la maîtrise de Pritchard des machines archaïques dénichées dans les archives de synthétiseurs, guidant la musique vers des chemins inattendus et expérimentaux. Yorke, quant à lui, livre une performance vocale obsédante et expansive, plongeant dans un récit sombre et introspectif.

Pas facile de faire de la musique qui sort des clous au Caire. Nadah El Shazly l'a compris dès ses débuts dans un groupe de punk spécialisé dans les reprises des Misfits au milieu des années 2000, dans une scène vite montrée du doigt par les autorités. Durant la décennie suivante, elle découvre la musique électronique et comprend que ce sera le parfait moyen d'exprimer librement ses sentiments et ses idées. Installée à Montréal au Canada, elle se fait remarquer avec son premier album en 2017 Ahwar, et en 2024 via un album en duo avec le musicien gallois Elvin Brandhi, Pollution Opera. Les comparatifs avec Björk ne risquent pas d'arrêter de résonner après l'écoute d'Elnadaha et Kaabi Aali qui ouvrent l'album, mais c'est juste que Nadah El Shazly, comme l'Islandaise, laisse l'inspiration "descendre" à travers sa voix, ce qui lui donne cette énergie de déesse qui chante depuis là-haut. Pour ancrer tout ça à la terre, l'Egyptienne utilise les percussions de son pays, qu'elle mêle habilement aux sonorités plus telluriennes de la bass music comme sur Banit ou le final Ghorzetein. La tradition est aussi bien secouée sur Enti Fi Neama, sorte de pied de nez digital aux conservateurs, et El Shazly ne dédaigne jamais un détour expérimental (Dafaa Robaai). Mais c'est bien sa voix presque nue qu'on préfère, comme elle l'offre sur Labkha et ses cordes, point d'orgue d'un album de source céleste.

Le magicien du synthé britannique James Holden et le gourou de la clarinette polonaise Waclaw Zimpel (Saagara, Shackleton) poursuivent leur fructueuse collaboration avec l'évasion béate du luxuriant premier album The Universe Will Take Care Of You.

Rival Consoles est à la fois au premier plan et en retrait de la musique électronique depuis la fin des années 2000. Il a convoqué une mélancolie intense pour les bandes originales de Black Mirror, joué devant 10 000 fans de danse au Drumsheds, joué à guichets fermés au Barbican Hall de Londres et enregistré une collection vaste et errante d'albums sculptés au synthétiseur, explorant une myriade de styles et d'esthétiques différents, mais toujours avec l'émotion humaine comme fil conducteur. Le neuvième album studio du producteur et musicien britannique Ryan Lee West a finalement pris son envol après une année de jachère frustrante loin de la production. Pour West, après avoir passé la dernière décennie à produire et à écrire de manière routinière, le désamour de la créativité a entraîné un ralentissement. En partie composé à partir d'un album de fragments audio abandonnés, Landscape from Memory a exigé une certaine ouverture et une certaine vulnérabilité dans son assemblage. Ces productions majeures se caractérisent par leur dynamisme et sont portées par la volonté de West de sortir de sa zone de confort, puisant son inspiration dans des sources nouvelles et inconnues. Après que son studio auto-construit à Hackney lui ait semblé soudainement trop contrôlé, West a changé de cap, concevant des morceaux loin de son bureau. À cette fin, Landscape from Memory est un carnet de voyage créatif en mouvement, une collection de cartes postales venues du monde entier, et un album défini par son agitation.

Avec URGH, son premier album chez Sacred Bones, Mandy, Indiana avance avec la vérité comme seul horizon. Le quatuor--Valentine Caulfield, Scott Fair, Simon Catling et Alex Macdougall--façonne un disque qui oscille entre appel à l'action, vertige et transcendance. Conçu lors d'une résidence isolée près de Leeds puis enregistré entre Berlin et Manchester, l'album porte l'intensité d'un processus marqué par les problèmes de santé de Caulfield et Macdougall. Intransigeant, le groupe fait de la voix de Caulfield une arme distordue, entre jeu et charge frontale. "Magazine", "try saying" et "ist halt so" cristallisent cette urgence, évoquant protestations et résistances, tandis que le rap fébrile de "Sicko!" avec billy woods ou les textures cinématographiques de "Cursive" et "Life Hex" installent une tension que Fair décrit comme "un remix de lui-même". À la fois personnel et mondial, URGH reflète un univers fracturé, où les textes abordent agression, indifférence systémique et douleur, tout en laissant place à la solidarité. Son esthétique physique, prolongée par l'artwork anatomique de Carnovsky, ancre le disque dans une confrontation viscérale au corps et à ses limites. Un album cathartique, tendu entre guérison et refus du silence.

Né d'un moment fortuit, d'une visite de routine chez le dentiste, allongé sous un panneau fluorescent représentant un ciel bleu et des palmiers, Tranquilizer est un album surréaliste, profondément texturé, qui interroge sur ce que signifie s'évader dans le passé et sur ce vers quoi nous retournons après. L'album a été inspiré par la découverte par Lopatin de la disparition d'une vaste archive de CD d'échantillons des années 90 de l'Internet Archive, un moment qui a stimulé sa créativité. S'inspirant de ces sons récupérés, Tranquilizer évoque une hallucination sonore : un calme ambiant qui se transforme en chaos numérique, des textures banales qui cèdent la place à une surcharge émotionnelle. C'est un album façonné par l'obscurité et l'obsolescence. Le réel et l'irréel se confondent. Les échantillons se fondent dans le bruit statique. Une porte s'ouvre en grinçant dans un rêve. C'est Oneohtrix Point Never à son apogée, ne regardant pas en arrière avec nostalgie, mais recadrant les sons perdus comme vecteurs de nouvelles émotions.