Contrastant avec la subtilité et la complexité de son précédent album the King, Anjimile revient chez 4AD avec You're Free To Go, déployant une folk organique et intuitive avec le concours du producteur Brad Cook (Waxahatchee, Hurray for the Riff Raff, Mavis Staples). Les chansons de l'album y éclosent naturellement, portées par des guitares acoustiques chaleureuses, des textures éthérées aux synthés, des arrangements luxuriants aux cordes et des nappes rythmiques délicates. Anjimile y démontre son talent pour la narration, exprimant avec finesse le sentiment amoureux dans toute sa complexité.

Quatuor, puis trio et désormais duo, Flyte se distingue depuis ses débuts, où le groupe jouait dans les rues de Londres, par son goût pour les mélodies intemporelles, les harmonies vocales sophistiquées et des chansons où affleure l'émotion. Mais le groupe a aussi su évoluer, en délaissant la pop ensoleillée de ses débuts pour une folk intimiste et inventive. L'album alterne entre chansons folk sobres et épurées, comme les absolument sublimes "Perfect Dark", "Speech Bubble" ou encore "Chelsea Smile", qui ne dépareillerait pas aux côtés des meilleures chansons acoustiques de Simon & Garfunkel, et morceaux plus enlevés et produits, comme "Press Play", "Even On Bad Days" ou "Better Than Blue", dont le groove jazzy rappelant les tribulations de Joni Mitchell. Chaque titre est parfaitement abouti et mérite l'attention tant il regorge d'idées et de détails subtils qui font toute la saveur des grands disques

Premier album de ce groupe américain emmené par Adam Duritz, leader songwriter dans la grande tradition Dylan : d'ailleurs, dans le hit, "Mister Jones", il chante 'I want to be Bob Dylan', comme ça, les choses sont claires. Les textes sont longs, symbolistes ou intimistes, chantés d'une voix attachante et le son du groupe est brut, simple et chaleureux : une basse, une batterie, une guitare et un Hammond, pimentés de temps à autres de réminiscences du Band (accordéons, mandolines, etc.). Le responsable de tout ça n'est autre que T. Bone Burnett, producteur (mais aussi guitariste et chanteur) de goût, souvent dans les bons coups (avec Elvis Costello, par exemple). Celui-ci en est un. Un sacré bon disque de rock américain teinté de folk, avec des bonnes chansons et un beau son.

My Days of 58 est le huitième album de Bill Callahan, le premier depuis 2022. Les douze titres qui le composent révèlent une profondeur d'expression insoupçonnée, Bill continuant de tracer une voie parmi les plus originales de la scène musicale actuelle, tant au niveau de l'écriture que de l'interprétation. Avec My Days of 58, il insuffle à l'enregistrement studio l'énergie vibrante de ses concerts, affinant ainsi ses portraits intimistes avec une intensité inédite. Les musiciens principaux présents sur My Days of 58 sont les mêmes que ceux qui ont tourné pour l'album Reality en 2022 : le guitariste Matt Kinsey, le saxophoniste Dustin Laurenzi et le batteur Jim White, dont la synergie était déjà manifeste lors de l'album live Resuscitate! en 2024. Cela a prouvé à Bill, comme il le dit lui-même, « qu'ils étaient capables de relever tous les défis », ajoutant : « L'improvisation, l'imprévisibilité, l'inconnu, voilà ce qui me motive à continuer à faire de la musique. Tout repose sur l'écoute de soi et des autres. Les meilleurs moments d'un enregistrement sont souvent les erreurs : les transformer en atouts, les utiliser comme tremplin vers quelque chose d'humain. » Dans cet esprit, Bill a préparé les morceaux séparément avec chaque musicien. S'inspirant du compositeur, fan et ami Jerry DeCicca, il a enregistré les pistes de base de tous les morceaux, sauf un, en duo avec Jim White. Parallèlement, il répétait avec Matt, guitare contre guitare, tout en demandant à Dustin de réaliser les arrangements de cuivres pour quelques chansons. Pour plus de spontanéité et de chaleur humaine, Bill a fait appel à plusieurs autres musiciens : Richard Bowden au violon, qu'il avait vu jouer avec Terry Allen et qu'il adorait ; le pianiste Pat Thrasher ; le bassiste Chris Vreeland ; et le tromboniste Mike St. Clair et le guitariste pedal steel Bill McCullough, qu'il connaissait grâce à Knife in the Water.

Une oeuvre lumineuse et résistante, où l'harmonie devient une réponse face à l'incertitude du monde. We Are Together Again, nouvel album de Bonnie "Prince" Billy, est pensé comme une réponse humaine et collective à un monde en mutation et en perte de repères. Will Oldham y célèbre l'amitié, la communauté et la création comme formes de résistance douce : non pas nier l'effondrement, mais y faire face avec grâce, harmonie et gratitude. Les chansons oscillent entre lucidité et lumière fragile, cherchant à préserver l'humanité et la joie dans l'incertitude. Conçu comme un véritable moment de rassemblement, l'album a été enregistré à Louisville avec un large cercle d'amis, de collaborateurs et de membres de la famille d'Oldham, transformant le studio en espace de rencontre et de témoignage partagé.

Musicien multi-instrumentiste, profondément influencé par la musique folk, Marty a accompagné au fil des années Olivia Ruiz et s'est illustré dans différents projets collectifs, notamment Les Croquants et La Varda ou le duo presque classique. Il est entouré de ses fidèles compagnons de route : guitare folk, banjo, mandoline, weissenborn pour ce premier tour de piste en solitaire A 50 ans Marty signe un album de renaissance en solitaire, guidé par une envie d'authenticité et l'acoustique où l'on entend le bois sonner. L'écriture s'enrichit de collaborations précieuses avec Simon Mimoun de Debout sur le zinc, son grand frère Éric, mais aussi les featuring d'Olivia Ruiz et Simon. Le disque s'inscrit dans une folk francophone où se lie l'intime au paysage.

Après 6 ans de silence, José Gonzalez retrouve son folk tout en sensibilité et délicatesse, avec sa voix rappelant Nick Drake, et s'étoffe de nouvelles influences et d'idées. Pour la première fois, il chante dans sa langue maternelle, en espagnol, il y inclut le tropicalisme d'un Caetano Veloso, des riffs sub sahariens etc... Depuis toujours ses paroles ont un écho quasi social, il y aborde les thèmes du vivre ensemble, l'intégration, l'écologie ou même la laïcité. Des concepts qu'il développe toute en finesse, intelligence et surtout tout en sensibilité. José Gonzalez, le cœur et l'esprit.

Pour La Timidité des Arbres, La Maison Tellier signe un album de maturité pleine, à la fois apaisé et profondément incarné. Vingt ans après ses débuts, le groupe continue d'écrire ces chansons qui semblent avoir toujours existé, portées par un songwriting d'une rare justesse, où chaque mot tombe à sa place et chaque mélodie sait durer. Ici, rien de démonstratif : les arrangements respirent, les images s'installent, et les chansons prennent le temps de s'enraciner, comme ces arbres discrets dont elles portent le nom. Fidèle à son art de raconter l'intime sans l'enfermer, La Maison Tellier confirme qu'elle est devenue, album après album, l'une des voix essentielles de la chanson contemporaine : celle qui ne cherche pas l'époque, mais la traverse, en écrivant des classiques à hauteur d'homme. Featuring Karen Lano, Louis-Jean Cormier, H-Burns.

La musicienne et compositrice folk néo-zélandaise Aldous Harding fait paraître son cinquième opus 'train on the Island' via 4AD. L'album de 10 chansons a été coproduit avec son collaborateur de longue date John Parish (PJ Harvey, Dry Cleaning) au Rockfield Studios dans le Pays de Galles, où le duo avait déjà enregistré 'Party' (2017), 'Designer' (2019) et 'Warm Chris' (2022). 'train on the Island' comporte les contributions musicales de Joe Harvey-Whyte au pedal steel, Mali Llywelyn à la harpe, Thomas Poli aux synthés, Sebastian Rochford (Polar Bear) à la batterie ainsi que Huw Evans (H. Hawkline) à la basse, aux choeurs, à la guitare et à l'orgue.

José Gonzalez publie Against the Dying of the Light, pensé comme un compagnon de Local Valley (2021). Là où ce dernier explorait l'intime, ce nouveau disque élargit la perspective et se présente comme un appel urgent à préserver la lumière de l'humanité à l'ère d'une technologie omniprésente. Tout en restant ouvert au progrès, Gonzalez interroge l'exploitation systématique des innovations lorsque celles-ci menacent l'empathie et l'épanouissement humain. Ancré dans la tradition de la folk comme musique de protestation, l'album invite à résister aux systèmes déshumanisants et clivants. Fidèle à un minimalisme assumé, l'artiste pousse sa palette sonore vers de nouveaux sommets grâce à la retenue, la subtilité et l'attention au détail, chaque morceau affirmant son caractère propre. Chanté en anglais, suédois et espagnol, l'album reflète ses racines suédo-argentines et porte un message humaniste à portée universelle. Discrètement influent, José Gonzalez demeure une figure majeure dont les chansons accompagnent les moments clés de nombreuses vies.